電影中的美學(xué)：什么是“荷蘭角”鏡頭？

Filmmakers use a lot of tricks to up the anxiety of a scene—music, sound mixing, lighting, color.

電影制作人使用很多手法來增添場景的緊張感－－音樂、混音、燈光、色彩。

And then there's this trick: an ever so slight tilt of the camera.

還有這個(gè)手法：極其細(xì)微的斜角鏡頭。

Even without all of the other stuff, the second you take the world off its axis, things start to feel a little...off, or at least a little more interesting.

即使沒有用到其他技巧，只要你一用偏離軸心的角度看世界，事物就會開始感覺有點(diǎn)...奇怪，或至少有趣一點(diǎn)。

That camera tilt, which you'll see everywhere from blockbuster movies to perfume commercials—it's called a lot of things.

從票房大片到香水廣告，這種隨處可見的傾斜鏡頭有很多種稱呼方式。

But most often, you'll see it referred to as the "Dutch angle".

但最?？吹降拿Q叫做荷蘭角鏡頭。

It's a stylistic choice whose roots are based not in film but in fine art.

這種風(fēng)格并非源自電影，而是美術(shù)。

Let's get this out of the way.

我們先來澄清這點(diǎn)。

The Dutch angle isn't actually Dutch; it's "Deutsch," as in German for "German".

荷蘭角鏡頭其實(shí)跟荷蘭無關(guān)；這個(gè)字來自德語的Deutsch，意思是德國。

Its origins trace back to World War I when the German government banned the import of foreign films.

它的起源要追溯回第一次世界大戰(zhàn)，當(dāng)時(shí)德國政府禁止外國電影進(jìn)口。

So, while over in Hollywood, the movie business was booming with Charlie Chaplin joints, racist Tarzan adaptations, and other straightforward happy-ending-type flicks, in Germany, movies were starting to look a little...different.

當(dāng)好萊塢的電影產(chǎn)業(yè)在蓬勃發(fā)展，因?yàn)樽縿e林的進(jìn)軍、種族主義的泰山改編電影以及其他毫無懸念的快樂結(jié)局式電影，在德國，電影開始看起來有點(diǎn)...不一樣。

Instead of turning to Hollywood for inspiration, German filmmakers turned to the arts.

德國電影制作人沒有從好萊塢汲取靈感，而是將目光轉(zhuǎn)向藝術(shù)。

And at that time, a movement called "expressionism" had taken hold, primarily in Germany and Austria.

而當(dāng)時(shí)表現(xiàn)主義蔚為風(fēng)潮，主要流行于德國與奧地利。

Expressionism is famously hard to define, but you can think of it as roughly the opposite of impressionism.

表現(xiàn)主義出了名的難以定義，但你可以大致上把它想成跟印象派相反。

Impressionists, like Monet, Degas, and Renoir, painted things like this: floaty, lovely, soft scenes.

印象派畫家，像是莫奈、德加和雷諾阿，畫風(fēng)象是這樣：輕盈、明亮、柔和的畫面。

And expressionists, like Kirchner, Beckmann, and Dix, painted things like this.

而表現(xiàn)派畫家，像是克爾希納、貝克曼和迪克斯，畫風(fēng)則是這樣。

One more time, for emphasis.

再看一次，幫你加深印象。

While impressionists were interested in producing spontaneous but always refined versions of reality, expressionist painters were focused on depicting a subjective version of a world in turmoil, grappling with the horrors of war and the anxiety of modern life.

印象派崇尚產(chǎn)出自然但精煉過的現(xiàn)實(shí)，而表現(xiàn)派畫家專注于用主觀的方式描繪動(dòng)蕩的世界，設(shè)法處理對戰(zhàn)爭的恐懼與對現(xiàn)代社會的焦慮。

Figures are distorted and painted roughly, often tossed about at impossible angles.

人物呈現(xiàn)變形、粗糙的樣貌，并經(jīng)常以超乎現(xiàn)實(shí)的角度扭曲。

Colors are intense and unrealistic.

色彩既強(qiáng)烈又不合常理。

Scenes are eerie, even nightmarish.

場景相當(dāng)詭譎，甚至如噩夢一般。

It's harsh and dark in both content and execution, all of which translated pretty well to film.

這種強(qiáng)烈又黑暗的內(nèi)容與作畫方式，全都很好地融匯到電影當(dāng)中。

Starting in 1920, with The Cabinet of Dr. Caligari, a German silent horror movie about a hypnotist who uses his sleepwalking patients to kill by proxy.

從1920年的《卡里加里博士的小屋》開始，這是一部德國無聲恐怖電影，講述一個(gè)催眠師借夢游癥患者之手殺人。

It's got the distorted figures, by way of outlandish makeup, harsh angular lighting, and, in place of the exaggerated perspective of painting, the whole movie is noticeably askew but not because of camera work.

片中的人物因古怪的妝容而顯得扭曲，還有刺眼的斜角照明，而且整部電影用明顯的歪斜取代夸大的繪畫視角，但這不是透過運(yùn)鏡達(dá)到的效果。

The set is literally tilted, with sidewalks that lead nowhere, walls arranged seemingly at random, and buildings that look poised to collapse, all rendered in stark graphic lines by a trio of expressionist painters.

場景本身就是傾斜的，有永無止境的人行道、似乎隨意排列的墻壁，以及看起來快要倒塌的建筑物，這些全都由三位表現(xiàn)派畫家以鮮明的線條呈現(xiàn)。

When The Cabinet of Dr. Caligari came out, it was a revelation.

《卡里加里博士的小屋》上映后，讓世人耳目一新。

Critics called it "startling," "weird," "sensational," "the most remarkable picture ever shown"!

評論家稱之為令人震驚的、詭異的、絕妙的、有史以來最棒的電影！

They lauded its great acting and innovative story.

他們贊揚(yáng)演員的好演技和創(chuàng)新的劇情。

There's a killer surprise twist at the end.

結(jié)尾的轉(zhuǎn)折令人意想不到。

But, mostly, it was that set design that excited people.

但最讓觀眾著迷的，還是場景的設(shè)計(jì)。

Those turns and tilts enhanced the movie's suspense and distortion.

那些蜿蜒的線條增強(qiáng)了電影的懸疑和扭曲感。

Caligari was hailed a prophecy, ushering in a new art-centric era for movies.

《卡里加里》被譽(yù)為預(yù)言，開創(chuàng)了以藝術(shù)為中心的新電影時(shí)代。

And though critics couldn't quite yet agree on which art movement it belonged to, that prophecy kind of came true.

雖然當(dāng)時(shí)評論家無法將其歸類到任一藝術(shù)派別，但這個(gè)預(yù)言的確應(yīng)驗(yàn)了。

Expressionist classics, like Metropolis and Nosferatu, soon followed, using that same lighting, drama, and, of course, Dutch angles—this time, using the camera to tilt the scene instead of the set.

經(jīng)典表現(xiàn)主義電影，像是《大都會》和《不死殭尸》很快跟進(jìn)，使用同樣的燈光與戲劇效果，當(dāng)然也少不了荷蘭角鏡頭－－但這次，是傾斜了相機(jī)，而非場景本身。

From there, the Dutch angle spread to noir films, featuring prominently in Citizen Kane and The Third Man.

從那時(shí)起，荷蘭角鏡頭進(jìn)到黑色電影里頭，變成《國民凱恩》和《第三人》的一大特色。

Then it broke into thrillers, specifically Hitchcock's thrillers, like The Birds, Strangers on a Train, and the lesser-known The Lodger, which, the man himself said, was heavily influenced by expressionism.

接著滲透到恐怖片中，尤其是希希區(qū)柯克的恐怖片，象是《群鳥》、《火車怪客》和較為冷門的《房客》，而他本人也表示，該部電影受表現(xiàn)主義影響極深。

That picture showed a strong German influence.

那部電影深受德國的影響。

By the '60s, a very different genre picked it up.

到了60年代，一個(gè)截然不同的電影類型也開始使用該技法。

1966's Batman famously gave each villain their own specific tilt.

1966年版的《蝙蝠俠》因給予每個(gè)反派獨(dú)特的傾斜角度而出名。

And from there, the angle really took off—action movies, musicals, comedies, even commercials.

從那時(shí)起，斜角鏡頭變得非常流行－－出現(xiàn)在動(dòng)作片、音樂片、喜劇片，甚至廣告當(dāng)中。

Today, it's featured across basically every genre, to varying degrees of success.

時(shí)至今日，幾乎所有類型的電影都看得到斜角鏡頭，成果有好有壞。

Movies like 2000's Battlefield Earth and 2011's Thor have been criticized for using the tilt as a crutch.

電影像是 2000 年的《地球戰(zhàn)場》和 2011 年的《雷神》，就被批評太過仰賴斜角鏡頭。

But, filmmakers like Spike Lee, Terry Gilliam, and Tim Burton all really seem to get it: tilting a shot to highlight tension or distortion or underscore a film's dystopian confusion, keeping the spirit of expressionism alive.

但是像斯派克·李、特瑞·吉列姆和蒂姆·波頓等制片人，似乎就有掌握精隨：用傾斜的視角凸顯對峙和扭曲，或強(qiáng)調(diào)片中反烏托邦的混亂感，讓表現(xiàn)主義的精神得以延續(xù)下來。